Emmanuelle Huynh danseuse, chorégraphe et enseignante, a étudié la danse et la philosophie. Son travail explore la relation avec la musique, la littérature, la lumière, l’ikebana (art floral japonais) et l’architecture. Elle crée entre autres Múa (1995), A Vida Enorme (2002), Cribles (2009), Shinbaï, le Vol de l’âme (2009), TÔZAI !… (2014).
De 2004 à 2012, elle dirige le Centre national de danse contemporaine à Angers et y refonde l’Ecole en créant notamment la formation « Essais » qui dispense alors un Master danse, création, performance.
En 2016, avec Jocelyn Cottencin, ils créent A taxi driver, an architect and the High Line, un portrait de la ville de New York à travers son architecture, ses espaces, ses habitants, composé de films portraits et d’une performance. Ils poursuivent leur collaboration et réaliseront des portrait(s) sensibles, filmés et dansés de la ville de Saint-Nazaire, Nous venons de trop loin pour oublier qui nous sommes, (créé fin 2019). Les portraits de São Paulo au Brésil, Cruzamento, et Houston aux États-Unis sont en création pour 2022/2023.
Elle crée en novembre 2017 une pièce pour 4 danseurs Formation, d’après l’œuvre autobiographique de Pierre Guyotat dans un dispositif plastique imaginé par Nicolas Floc’h.
Elle est artiste associée pour trois saisons de 2018 à 2021 au Théâtre de Nîmes, scène conventionnée d’intérêt national – art et création – danse contemporaine où elle crée les 18 et 19 Mars 2021 le solo Nuée dont elle est l’interprète et qui explore la question du cheminement, du parcours tant artistique que personnel.
Le travail d’Emmanuelle Huynh porté par Plateforme Múa s’ancre dans une vision élargie de la danse, produisant des savoirs, des émotions qui modifient la vision que la société peut porter sur elle-même.
De 2014 à 2016, Emmanuelle Huynh est Maître-Assistant associée à l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Nantes. Elle est intervenue à l’ENSA Nantes-Mauritius de 2016 à 2021.
Depuis septembre 2016, Emmanuelle Huynh est Cheffe d’Atelier danse, chorégraphie, performance aux Beaux-Arts de Paris.
En 2022, elle prépare la mise en espace et en corps de Kraanerg de Xenakis avec Caty Olive, scénographe de la lumière et quatre danseurs, commande du Wiener Festwochen de Vienne.

Gilles Amalvi est écrivain, critique de danse et créateur sonore. Il a publié Une fable humaine et AïE! BOUM aux éditions Le Quartanier. Depuis Radio-Epiméthée, version scénique et radiophonique de Une fable humaine, il se consacre à l’exploration de l’écrit par le matériau sonore. Il a réalisé les lectures sonores de AïE! BOUM, Orphée Robot de Combat, ou encore des Poèmes de Clint Eastwood en collaboration avec le groupe One Lick Less.
Parallèlement, il a été écrivain associé au Musée de la Danse, et il écrit pour le festival d’Automne, le CND, ainsi que pour les chorégraphes Boris Charmatz, Jérôme Bel, Maud le Pladec, Emmanuelle Huynh, Latifa Laâbissi, Anne Teresa de Keersmaeker, Ivana Müller…
En tant que dramaturge, il a travaillé avec Saskia Hölbling, Nasser Martin-Gousset et Pol Pi ; comme créateur sonore, il collabore avec Pol Pi sur la pièce Alexandre et la performance Là, le projet Engelsam de Katja Fleig, et la pièce de Antoine Cegarra.

Diplômée en scénographie à l’ENSAD de Paris, Caty Olive réalise des espaces lumineux. Caty Olive collabore à des projets chorégraphiques et performatifs de la scène contemporaine et a travaillé notamment : Myriam Gourfink, Emmanuelle Huynh, Claudia Triozzi, Vera Mantero, Cindy Van Acker, Tiago Guedes, David Wampach, Donata D’Urso, Joris Lacoste, Cindy Van Acker, Sandrine Anglade, Yoann Bourgeois, Blanca Li, Alexandra Waiersall, Béatrice Massin, et de façon plus privilégiée avec Christian Rizzo.
Elle partage ses activités entre l’architecture, les expositions, les installations visuelles, les spectacles musicaux ou chorégraphiques et les opéras, intervient aussi ponctuellement auprès d’écoles d’arts.
A travers ces différentes activités transversales, elle privilégie les expériences et les rencontres artistiques, mais aussi la diversité des moyens d’expression utilisés, et des technologies artistiquement exploitables. Le fil conducteur tout au long de ses réalisations demeure son intérêt pour l’instabilité et les altérations de la lumière, fil sans cesse tiré, d’une réalisation à une autre, une recherche qui ouvre des univers renouvelés.

La musique de Pierre-Yves Macé brasse plusieurs écritures (composition instrumentale et vocale, création électroacoustique, art sonore) avec une prédilection marquée pour la pluridisciplinarité. Après des études musicales et littéraires, il sort son premier disque Faux-Jumeaux en 2002 sur Tzadik, le label de John Zorn. Suivent plusieurs publications sur les labels Sub Rosa, Orkhêstra et Brocoli. Le son enregistré, le document sonore et l’archive sont au cœur de sa musique, travaillés par des gestes de recyclage ou de citation. Entamé en 2010, le cycle in-progress Song Recycle pour piano et haut-parleur reprend et transforme une sélection de performances vocales amateur récoltées sur YouTube.
Sa musique est interprétée par l’Ensemble Intercontemporain (dirigé par Matthias Pintscher, Enno Poppe), l’ensemble Cairn, l’Instant Donné, l’Orchestre de chambre de Paris, le Hong Kong Sinfonietta dirigé par Gábor Káli, l’ensemble vocal Les Cris de Paris dirigé par Geoffroy Jourdain, le pianiste Denis Chouillet, la soprano britannique Natalie Raybould, le clarinettiste Sylvain Kassap, le Quatuor Amôn, l’Ensemble d’Improvisateurs Européens (EIE), le collectif 0 (“zéro”). Il est invité par le Festival d’Automne à Paris (monographie en 2012 au Théâtre des Bouffes du Nord), les festivals Villette Sonique, Présences Électronique (Paris), Ars Musica (Bruxelles) Les Musiques du GMEM (Marseille), MIMI (Marseille), Octobre en Normandie (Rouen), AngelicA (Bologne), Santarcangelo (Rimini, IT), Akousma (Montréal, CA)… En tant que performer, il fait la première partie d’artistes comme Matmos, Richard Chartier, Andrew Bird ou Lee Ranaldo.
Il collabore avec les artistes Hippolyte Hentgen, les écrivains Mathieu Larnaudie, Philippe Vasset, Pierre Senges, Julien d’Abrigeon, compose la musique pour les spectacles de Sylvain Creuzevault, Christophe Fiat, Joris Lacoste, Anne Collod, Fabrice Ramalingom, Marinette Dozeville, Marianne Baillot, Louis-Do de Lencquesaing. Il collabore régulièrement aux activités du collectif l’Encyclopédie de la parole, pour lequel il co-signe avec le metteur en scène Joris Lacoste la Suite n°3 en 2017. En 2013-2014, il compose des virgules radiophoniques pour l’émission Boudoirs et autres de Gérard Pesson sur France Musique. En 2014, il est lauréat de la résidence Hors les murs (Institut Français) pour le projet Contreflux.
En 2016-2017, il est compositeur associé à l’Orchestre de Chambre de Paris.
Musicographe, il écrit par ailleurs pour les revues Mouvement, Accents, Labyrinthe, La Nouvelle Revue d’esthétique, la base de données Brahms de l’Ircam. Soutenu en 2009 à L’Université de Paris 8, son doctorat de musicologie paraît aux Presses du réel en 2012 sous le titre Musique et document sonore.